Greg Tate Was a Titan in Black Arts Criticism and Visual Culture – ARTnews.com

Depuis que l’écrivain Greg Tate a rejoint les ancêtres, on a beaucoup parlé de la façon dont il a engagé la musique avec un style et une brillance sans précédent en tant que critique, chef d’orchestre, militant et producteur. Mais Tate a également transformé le paysage mondial et galactique des arts visuels et du cinéma. Il l’a fait par le biais de ses bourses, de ses conférences, de ses performances et de sa conservation révolutionnaires, apportant l’exubérance, la politique et la poétique de la tradition radicale noire.

Au cours de son mandat à la Voix du village à partir du début des années 1980, Tate a à la fois signalé et catalysé des changements de marée dans la critique culturelle vers l’érudition interdisciplinaire que nous lisons et dont nous avons encore besoin aujourd’hui. En tant qu’héritier du mouvement des arts noirs (1965-1975), Tate a forcé les domaines étouffants – et majoritairement blancs et riches – de l’histoire de l’art et des médias artistiques traditionnels à faire face à l’insurrection et à l’âme des domaines émergents des études noires et des études ethniques. , ainsi que des études postcoloniales, sur les femmes, le genre et la sexualité. Il alternait avec aisance entre la langue vernaculaire noire américaine et la théorie structuraliste française avec la finesse d’un platiniste sur les uns et les deux. En phase avec l’émergence des études culturelles à l’étranger en Grande-Bretagne, Tate appartenait à une nouvelle intelligentsia des arts noirs qui, à l’instar de la culture hip-hop, a commencé à s’épanouir dans des communautés étroites pour se répandre dans le monde entier.

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S’inspirant des stratégies rhétoriques de ses héros d’avant-garde comme Miles Davis, son approche de l’écriture et du commissariat reflétait l’improvisation jazz, le black rock centré sur le rythme et le freestyle dans le hip hop. En 1992, l’année où il publie son recueil fondateur Flyboy dans le babeurre, a-t-il déclaré dans une interview avec NPR, « J’ai toujours essayé de produire une écriture critique qui avait autant de vitalité et de viscéralité que l’art ou les phénomènes ou l’expérience que j’essayais de décrire à quelqu’un d’autre. J’essaie vraiment de brancher un lecteur sur mon système nerveux central dans son état le plus câblé.

Tate a remis en question les principes de l’écriture d’art et de la critique culturelle en centrant l’expérience vécue d’une œuvre d’art, en la voyant à travers le prisme des généalogies et des épistémologies noires. Ce faisant, il a restitué l’œuvre en la replaçant dans son propre contexte culturel, social et politique. Ses premiers écrits sur l’art visuel noir – notamment sur Jean-Michel Basquiat, Rammellzee (1985), David Hammons, Senga Nengudi, Romare Bearden (apparaissant dans son essai fondateur de 1986 « Cult-Nat Meet Freaky-Deke ») – ne présageaient pas seulement Acceptation de l’art noir par ou par les institutions d’art blanc, ils ont activement forgé une ouverture par leur insistance sur la lignée sophistiquée et les projections futuristes des arts noirs.

Dans l’essai titulaire en Flyboy dans le babeurre, « Flyboy dans le babeurre : personne n’aime un enfant de génie », a expliqué Tate comment et pourquoi les musées et le monde de l’art en général n’ont pas reconnu le génie de Basquiat à son époque : « Aucun domaine de la vie intellectuelle moderne n’a été plus réticent à reconnaître et autorisant les personnes de couleur que le monde des arts visuels « sérieux ». À ce jour, il reste un bastion de la suprématie blanche, une applique des riches, dont les barricades à hauts murs n’ont d’égal que Wall Street et la Maison Blanche et dont les pratiques d’exclusion sont appliquées 24-7-365. Il est plus facile pour un homme blanc riche d’entrer dans le royaume des cieux qu’un artiste abstrait et/ou conceptuel noir d’obtenir un one-woman show dans le bas Manhattan ou un article dans les pages de Forum d’art, L’art en Amérique, ou La voix du village. La perspective qu’un tel artiste puisse devenir une véritable célébrité du monde de l’art (et au début de sa carrière rien de moins) était, jusqu’à l’avènement de Jean Michel Basquiat, une sorte de blague.

“Aucun domaine de la vie intellectuelle moderne n’a été plus résistant à la reconnaissance et à l’autorisation des personnes de couleur que le monde des arts visuels” sérieux “”, a écrit Tate au début des années 1990.

Tate a mené une guerre des mots et a fait tomber lui-même certaines de ces barricades. En 1992, il faisait partie d’une poignée de critiques d’art noirs chargés par un grand musée d’écrire pour un catalogue d’exposition, contribuant à l’essai désormais séminal “Black Like B”. pour la publication rétrospective Whitney’s Basquiat. Peu de temps après, dans les aléas, de nombreux journaux locaux et hebdomadaires alternatifs se sont effondrés. Le journalisme en tant que forme viable de mettre le dîner sur la table a éclaté, alors même que le marché de l’art montait en flèche. Greg a commencé à enseigner les arts noirs, la culture visuelle et la musique à Brown, Columbia et dans d’autres universités, et a contribué à de nombreux catalogues d’expositions, cimentant son rôle d’élément incontournable dans le discours autour de l’art contemporain. Surnommé « l’érudit voyou », il a donné des conférences et écrit pour des musées, comme le Museum of Modern Art, le Whitney Museum, l’ICA Boston, l’ICA London, le Contemporary Arts Museum Houston, la Tate et le Studio Museum de Harlem, ainsi que pour des galeries, comme Gagosian et Deitch Projects.

Tate a pu discerner les missives urgentes parmi la cacophonie et nous a obligés à y être présents. Tout comme il affirmait que le hip-hop marquait l’histoire alors que d’autres insistaient sur le fait qu’il s’agissait d’une mode passagère, il affirmait constamment que les artistes visuels définissaient leur moment. Il élevait les créateurs avec autant d’urgence qu’ils produisaient des œuvres. Pour citer Basquiat citant Charlie Parker, « C’est le moment. »

En 1989, sortant d’une vague d’art post-graffiti et de la mort tragique de Basquiat, Tate a eu la clairvoyance de lier l’art du graffiti à la révolution visuelle qui a envahi non seulement le paysage urbain de New York, mais la culture pop et le monde de l’art qui en buvait. Il a écrit, à nouveau dans « Flyboy in the Buttermilk » ​​: « Revenons au postpunk du Lower Manhattan, à New York sans ondes, où le jazz loft, le bruit blanc et le funk noir s’unissent pour déségréger momentanément la scène rock du centre-ville et le hip-hop. les cultes du graffiti écrivant des trains entrent dans la gare avec le retour de la représentation, de la figuration, de l’expressionnisme, du Pop-artisme, de l’investissement dans la peinture sur toile et de l’idée du chef-d’œuvre. Que les écrivains aient présagé ou inspiré les forces du marché à tout ce fétichisme des produits d’art et à ce matériel anti-conceptualiste est toujours une question à saisir.

Alors que les musées continuaient d’ignorer ces artistes révolutionnaires 40 ans plus tard, la question de Tate est devenue le moteur de la recherche derrière l’exposition 2020-2021 “Writing the Future: Basquiat and the Hip-Hop Generation”, qu’il a co-organisée au Museum of Fine Arts, Boston. À travers sa conception d’exposition transportante, son installation multimédia et ses œuvres d’art électriques, l’exposition visait à atteindre les notes les plus élevées de l’écriture de Tate, vous plongeant dans le système nerveux du New York des années 1980.

Une galerie avec une peinture abstraite sur ses murs et une sculpture abstraite ressemblant à une forme rectangulaire avec des lettres griffonnées dessus.

Vue de l’installation de « Writing the Future : Basquiat and the Hip Hop Generation », 2020-21, au Museum of Fine Arts de Boston, organisée par Liz Munsell et Greg Tate.
Avec la permission du Musée des beaux-arts de Boston

Parce que Tate est venu à la page avec une telle clarté d’objectif et une politique révolutionnaire, les artistes noirs et les conservateurs de pointe se sont appuyés sur lui pour articuler les connexions spécifiques pour son large public sans compromettre la rigueur ou la verve. Titan de la critique culturelle noire et conservateur de la communauté, l’empreinte de la main de Tate se trouve sur les expositions et les rassemblements générés par ses aînés, ses pairs et ses fidèles.

Dans l’esprit de la façon dont Tate a gravé la généalogie noire dans les tomes de l’histoire de l’art, voici juste un échantillon de la communauté des arts visuels qui revendique et pleure la perte de son devin et devin le plus clair. Il n’est en aucun cas exhaustif ou définitif, mais peut-il signaler à d’autres que l’héritage de Greg Tate est en cours : des conservateurs et producteurs culturels noirs non-conformistes tels que Naomi Beckwith, Linda Goode Bryant, Rashida Bumbray, Nicole Fleetwood, Henry Louis Gates, Thelma Golden, Diedre Harris-Kelley, Sandra Jackson-Dumont, Kellie Jones, Mark Anthony Neal, Richard J. Powell, Franklin Sirmans et d’innombrables autres. Il laisse derrière lui de profondes amitiés avec d’innombrables artistes et des essais de catalogue pour Dawoud Bey, Julie Dash, Fab 5 Freddy, Futura, Arthur Jafa, Ellen Gallagher, Theaster Gates, Lady Pink, Lee Quiñones, Kamionge Workshop, Deana Lawson, Alan Licht, Kerry James Marshall, Nicole Miller, Wangechi Mutu, Chris Ofili, Cette feuille d’appel effleure à peine la surface de ses contributions au discours dans le cinéma, le cinéma et le monde littéraire, comme avec ses écrits sur AfriCobra, John Akomfrah, Isaac Julien, Spike Lee, Melvin Van Peebles, et plus encore. Une sélection d’essais de Tate sur l’art visuel et la culture sera publiée dans le prochain livre White Cube Fever : Hella Conjure et écriture sur les arts noirs (Duc University Press).

Un homme noir montré de dos devant une peinture abstraite.

Greg Tate.
Photo Peter L’Officiel

En tant que maestro intrépide de l’ensemble musical Burnt Sugar Arkestra Chamber, Tate a piétiné son défilé de cacophonie dans de nombreux musées, dont le Brooklyn Museum, le Kitchen, le Hammer Museum, le Hallways Contemporary Arts Center, le Walker Art Center, etc., ainsi que des institutions comme le Lincoln Center et l’Apollo Theater. S’inspirant des stratégies de performance de la direction d’orchestre de Butch Morris, Tate s’est imposé en tant que maestro et chef d’orchestre radio de Burnt Sugar, interpolant ses passions pour les arts visuels, le film pulp, la fiction spéculative et, bien sûr, le funk. En plus de la famille immédiate de Tate, nous offrons nos condoléances à toutes ses tribus choisies, en particulier la Black Rock Coalition et Burnt Sugar, avec qui il a partagé une vie de collaboration créative radicale. Bien que les membres du groupe soient notoirement en constante évolution, selon le site Web actuel, le personnel comprend : Jeremiah Abiah, Rene Akan, Marc Cary, Honeychild Coleman, Pete Cosey, Morgan Michael Craft, Latasha Nevada Diggs, le juge Dilla-X, le capitaine Kirk Douglas , Melvin Gibbs, Carl Hancock-Rux, Trevor Holder, Satch Hoyt, Julia Kent, Vijay Iyer, Tia Nicole Leak, Okkyung Lee, Derrin “D Max” Maxwell, Omega Moon, DJ Mutamassik, Qasim Naqvi, W-Myles Reilly, Matana Roberts, Petre Radu Scafaru, Shariff Simmons, Swiss Chris, Somi, Tamar-kali, Imani Uzuri, Michael Veal, Christina Wheelera et Nioka Workman pour n’en nommer que quelques-uns. Et Sugar Lifers : Jared Michael Nickerson, Lisala Beatty, Lewis “Flip” Barnes, Bruce Mack, Micah Gaugh et Jason DiMatteo avec une équipe actuelle de barboteuses vertueuses Shelley Nicole, Mikel Banks, Abby Dobson, Julie Brown, JS Williams, V. Jeffrey Smith, LaFrae Sci, Avram Fefer, “Moist” Paula Henderson, Dave “Smoota” Smith, Mazz Swift, Leon Gruenbaum, Andre Lassalle, Ben Tyree, Greg Gonzalez, Chris Eddleton et Vernon Reid.

Au moment de sa mort, Tate terminait son opus magnum, une poursuite de plusieurs décennies et une continuation de “Cult-Nats Meet Freaky-Deke”. Articulateur clé de la pensée afrofuturiste, il pouvait faire atterrir doucement le vaisseau-mère sur cette planète et le renvoyer vers Saturne grâce à sa magie multimédia. Une telle ruse que Tate a glanée en étant en première ligne avec des artistes comme George Clinton et Rammellzee. En 1985, Rammellzee a déclaré à la Tate dans une interview : « Nous sommes avancés en termes de science et de technologie, mais l’attitude de la population et le contrôle de la population sont toujours gothiques. Nous ne savons toujours pas ce que nous faisons. Nous ne savons toujours pas comment quitter cette planète de la bonne façon. »

L’ascension de Tate vers les étoiles peut ne pas se sentir bien pendant très longtemps, mais ses écrits et ses enregistrements restent avec nous. Sa matière première était toute l’Amérique qui s’insurgeait contre sa terreur autodidacte et le génie et la créativité noirs qui éclairent les voies vers les rêves de survie et de liberté. Associant sa rigueur à l’amour, Tate nous a reliés, compatriotes maudits, à l’humanisme et au cosmos, nous rappelant nos points communs. Tate a partagé son bel esprit et son cœur formidable avec tous ceux qui ont fixé leurs yeux et leurs oreilles sur sa page, sa scène et sa galerie – pas un cube mais un cercle, toujours en expansion.

Liz Munsell est la conservatrice Lorraine et Alan Bressler de l’art contemporain au Museum of Fine Arts de Boston. Elle a co-organisé avec Tate la récente exposition “Writing the Future: Basquiat and the Hip Hop Generation”.

J. Faith Almiron, qui a rédigé un essai de catalogue pour cette exposition, est un critique culturel basé à New York et un éminent spécialiste de Jean-Michel Basquiat.

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